Artiste peintre – décors
Salon des Artistes Français
13 – 15 février 2026
ART CAPITAL – Grand Palais
J’ai le plaisir d’avoir été sélectionnée par le jury du Salon des Artistes Français qui se tiendra au Grand Palais du 13 au 15 février prochains où je serai heureuse de vous accueillir.
Grande Halle de La Villette – Paris
15 mai – 9 septembre 2018
TEAM LAB, le COLLECTIF JAPONAIS D’ART DIGITAL fondé en 2001, présente une expérience artistique unique, dans un monde enchanté et enchanteur.
Déambulation dans des univers oniriques grâce à des installations hors-normes, développés entre sept salles, de A à G comme les notes de musique, dans lesquels le spectateur soit se fond ou interagit en les touchant ou en essayant d’avancer dans l’espace.
Des ténèbres à la vie, la création surgit et se transforme sans cesse dans une scénographie éblouissante d’effets spectaculaires et de couleurs.
Les quatre saisons se succèdent dans l’intervalle d’une heure et se répèteront, mais toujours sur un mode différent, heure après heure.
Bancs de poissons, naissance de papillons, éclosion de fleurs, envol de corbeaux, murs de cascades, eau bondissante, sillages de lumière fulgurants, dansants, évanescents, pluie de pétales forment un ballet auquel nous sommes conviés à prendre part.
Procession éblouissante dans une forêt de bambous et d’azalées, où musiciens, dieux, silhouettes, lapins et grenouilles, s’animent et se déplacent au rythme d’une musique contemplative.
Un effleurement de la paroi, et le personnage interrompt sa danse, vous regarde surpris, puis il reprend sa marche, en déviant de sa trajectoire initiale.
« Marcher, marcher, marcher: rechercher, dévier, réunir » (« Walk, walk, walk: search, deviate, reunite « ), lapins, grenouilles accompagnent les voyageurs et ferment le cortège.
Pourquoi des lapins et des grenouilles ?
Le lapin est très populaire au Japon, on le retrouve partout dans la vie quotidienne et comme gardien de lieux sacrés.
A l’origine, c’est la jolie histoire du lapin blanc d’Inaba et de sa rencontre avec Ôkuninushi, l’une des divinités principales de la mythologie japonaise. (1)
Il symbolise à la fois le rôle de porteur, mais aussi celui de porte-bonheur, puisqu’il prédit l’union de Ôkuninushi avec la princesse Yagami, prédiction qui se réalisa.
La grenouille, en poésie, est associée au printemps, et est l’animal protecteur des voyageurs. Elle aurait aussi le pouvoir d’attirer la richesse.(2)
Dès le XIIe siècle, elle apparaît sur une oeuvre satirique peinte sur rouleau, dans laquelle les personnages sont représentés par des animaux, les grenouilles y incarnant les moines bouddhistes.
Au cours de l’Epoque EDO (1603-1868) (3), le grand maître japonais Katsushika Hokusai (1760-1849) immortalisera le petit batracien dans ses estampes.
Emile Gallé (1846-1904), verrier, Maître de l’Art Nouveau et fondateur de l’École de Nancy (1901), fortement influencé par l’art japonais, en reprendra le modèle à l’identique sur certaines de ses créations.
UN SPECTACLE FÉÉRIQUE, POÉTIQUE, LUDIQUE,
À VOIR et REVOIR
Sources & remerciements :
(1) ‘Pourquoi le lapin est-il une icône aussi importante au Japon?’, Kirkis – Konbini.com
(2) Click Japan – clickjapan.org / la grenouille
(3) L’estampe japonaise, expositions.bnf.fr, Gisèle Lambert
L’art sublimé d’offrir des fleurs
What a beautiful way to offer flowers
Dans son studio-fleurs du Haut-Marais, Castor fleuriste vous propose une façon originale et remarquable de faire plaisir: offrir vos bouquets avec le vase qui les accompagne.
Ancien marchand d’Art, Louis-Géraud Castor a souhaité parfaire l’idée, en conjuguant sa connaissance des Arts Décoratifs à son goût pour les fleurs qu’il choisit indigènes, parfois exotiques ou de jardins au charme champêtre.
En concertation avec l’artisan, Louis-Géraud Castor fait façonner des pièces en séries limitées, dont l’exclusivité lui est réservée. Un coup de coeur vous portera vers une céramique, que vous préfèrerez ancienne ou plutôt de facture contemporaine, à la ligne épurée, la couverte soyeuse, certaines exceptionnelles dorées à la feuille d’or, véritables oeuvres d’art portant la marque de leur fabrique.
Une tubéreuse perchée au bout de sa hampe, une gracieuse branche fleurie ou une brassée de jacinthes odoriférantes assortie de son vase, crée immanquablement un effet de surprise à l’hôte qui le reçoit, face à une telle élégance.
A me laisser bercer par la richesse des couleurs, des pétales et des senteurs, m’apparaît la Peinture du Nord avec les tableaux de Natures Mortes magistralement composés, qui offraient au regard la beauté et la délicatesse d’espèces rares ou nouvellement découvertes des collections royales.
La Nature Morte, depuis l’Antiquité, tour à tour liturgique, symbolique, traverse tout le XXe siècle, que l’on retrouve également au sein de l’Art Contemporain, aussi bien chez les Surréalistes que dans le Pop Art.
Ainsi les fleurs magnifient toujours et encore nos intérieurs, et suscitent à la fois émerveillement, admiration et apaisement de l’âme.
A Louis-Géraud Castor chez lequel les fleurs sont bel et bien animées, je dédicacerais volontiers la définition de Charles Sterling à propos de la Nature Morte :
« Une authentique nature morte naît le jour où un peintre prend la décision fondamentale de choisir comme sujet et d’organiser en une entité plastique un groupe d’objets. Qu’en fonction du temps et du milieu où il travaille, il les charge de toutes sortes d’allusions spirituelles, ne change rien à son profond dessein d’artiste : celui de nous imposer son émotion poétique devant la beauté qu’il a entrevue dans ces objets et leur assemblage ». « La nature morte de l’Antiquité à nos jours. Paris: P.Tisné, 1952.
CASTOR fleuriste – 14, rue Debelleyme 75003 Paris
www.castor-fleuriste.com
Les brosses et les pinceaux sont au peintre ce que le stylo-plume est ou était à l’écrivain.
Quelle belle découverte que les brosses de Rosemary&Co. Cette entreprise familiale installée dans le West Yorkshire (UK) place sa passion au coeur de la fabrication fait-main de brosses et pinceaux depuis plus de trente ans.
Deuxième commande, site web agréable, réactivité et service rapide, livraison efficace, plaisir renouvelé d’ouvrir un colis soigneusement préparé.
Les articles sont de grande qualité, à prix particulièrement compétitif et de fait attractif, en comparaison des offres en magasins.
I cannot remember when I found out about Rosemary’s brushes but I thought it worth giving them a try.
Rosemary&Co has been a handmade brush maker for over a quarter of century and I must say, Rosemary’s brushes are truly beautiful.
I placed my second order mid-November this year and I really looked forward to receiving my parcel due within 10 to 12 days. I actually received it within one week. Like the first order, the parcel had been prepared with care and the brushes were nicely packed, with a lovely thank-you note.
Cette fois-ci, j’ai commandé des brosses de la nouvelle ligne ‘Evergreen‘. Ce sont de belles soies synthétiques, utilisables aussi bien pour l’huile que pour l’acrylique, qui se nettoient facilement et conservent bien leur forme.
Je n’ai pas résisté à l’acquisition de nouveaux pinceaux à bout pointu (il y en a aussi à bout rond) de la série ‘Shiraz‘, un mélange de fibres nylon assez fermes, parfaites pour le traçage de lettres ou de filets, quelques uns de la série ‘Eclipse‘, à la fois robustes et suffisamment doux pour réaliser les fondus ainsi qu’une brosse fabriquée à partir de poils de blaireau, d’où son nom ‘Blaireau‘, outil indispensable pour intégrer et adoucir délicatement les couleurs à l’huile dans les techniques décoratives comme les marbres ou l’imitation des bois.
Rosemary&Co manufacture un grand nombre de brosses et de pinceaux, proposés en plusieurs diamètres et la possibilité de choisir entre deux longueurs de manche.
Enfin la newsletter trimestrielle que je trouve jolie et agréable à lire, abonde en informations pratiques, nouveautés, articles sur les techniques picturales et idées cadeaux.
Ne manquez pas de visiter le site de Rosemary&Co
www.Rosemaryandco.com .
I ordered a few brushes from the new ranges ‘Evergreen Egberts‘, ‘Shiraz‘ (nylon filaments), and ‘Eclipse extra long Combers‘ (synthetic mongoose), which I use for oil painting. Then my favorite tool, the ‘Badger softener‘ for Marbling and Wood graining techniques. And last, I bought myself a ‘Marbling Feather‘ that I wanted to test a long time ago (unfortunately sold out last year). I love its shape and touch and I can hardly wait to use it.
Please visit www.rosemaryandco.com
I am pretty sure you will be fond of it and soon place an order.
Musée CERNUSCHI – Paris
07 octobre 2016 – 26 février 2017
Je me suis laissée séduire. Fascinant, Walasse Ting ne peut laisser indifférent. Pourquoi « le voleur de fleurs » ?
Artiste américain d’origine chinoise, Ding Xiongquan (1928 – 2010) est né dans la province de Jiangsu, proche de Shangaï. Sa jeunesse est imprégnée à la fois des traditions artistiques rurales et de l’influence urbaine moderniste de la métropole.
C’est dans les années 50 que Ding choisit un prénom occidental suivi d’un patronyme chinois, – pratique courante dans la diaspora chinoise -. Il se fait appeler « Walasse », prénom qu’il substitue à celui de Xiongquan, qui a pour signification « source virile », un nom somme toute prédestiné puisque toute son oeuvre sera teintée d’érotisme, et « Ting » en écho symbolique au nom de Matisse dont il est grand admirateur.
Lors de sa première exposition à Paris, il est connu sous le nom de « Walasse« . C’est au cours des années 60, alors qu’il poursuit son travail à New-York, qu’il adopte un pseudonyme à consonance poétique et devient « le voleur de fleurs » dont il signe ensuite nombre de ses oeuvres. En se réappropriant cette ancienne coutume de lettrés chinois, Walasse Ting acquiert une double identité, inhabituelle pour un artiste chinois de sa génération vivant en Occident.
Le travail de Walasse Ting se fait remarquer dans ses calligraphies abstraites à l’encre noire ou avec de la peinture jetée sur un papier de fond neutre, à coups de brosse rapides et amples, libres et spontanés et d’éclaboussures ou que définit une ligne pure et qui engage le corps entier dans l’acte de créer, à la manière de l’Expressionnisme Abstrait ou « Action painting« .
Au fil des années, il s’implique dans des oeuvres éditoriales collectives (« One Cent Life »), constitue des groupes d’improvisation à deux, quatre voire plus de mains et donne ainsi naissance à une nouvelle entité créative, telle « Aleching » (pour Alechinsky et Ting), caractéristique de la sociabilité des peintres de la tradition antique en Chine.
Peintre de la transgression et poète, Walasse Ting introduit dans ses toiles des éléments issus de références classiques en Chine: oiseaux, pivoines et pruniers en fleurs, papillons, libellules, chevaux et personnages.
Dans les années 70, l’essentiel de sa production est réorienté en faveur de peintures monochromes ou multicolores, avec ses « Pop » beauties ou Vénus, femmes nonchalantes et lascives au teint laiteux sous leur sombre chevelure et qui rappellent le théâtre chinois.
Après 1986, retour à Matisse, le grand maître de l’avant-garde en Europe. Walasse Ting peint désormais ses modèles dans un cadre, mêlant des scénettes qui elles-mêmes ouvrent sur d’autres tableaux. Les toiles intègrent les thèmes et motifs favoris du peintre, d’une qualité décorative évidente, jouant de couleurs vives posées en aplats.
La beauté est exprimée dans toute sa sérénité et jubilation.
Fondation Louis VUITTON
22 octobre 2016 – 05 mars 2017 ( 7/7 j de 7h00 à 23h00)
Exposition temporaire ‘in situ‘ de Daniel BUREN
L’exposition, légende de ce début de millénaire, rassemble l’une des plus belles collections d’art moderne occidental, acquise par Sergueï Chtchoukine, riche négociant dans l’industrie textile, né à Moscou en 1854 et mort à Paris en 1936.
Dès la réservation du billet, les yeux s’agrandissent, nous sommes invités au pays des merveilles.
Le jour de fête arrive, une belle journée ensoleillée célèbre la découverte.
Privilégiez l’entrée par le jardin d’acclimatation plutôt que l’accès principal par le boulevard, vous gagnerez du temps et traverserez le jardin paysager avec ses attractions qui font toujours la joie des jeunes enfants.
A votre arrivée, prenez le temps d’admirer les verrières, soit 3600 plaques de verre qui habillent cette perle architecturale, ressemblant à un voilier ou encore qui m’évoque un berlingot, cette petite confiserie en forme de pyramide aux jolies couleurs acidulées selon les parfums, et qui pour l’occasion ressemblent à un jeu de damiers aux couleurs complémentaires sur lesquels la lumière joue, glisse ou se réfléchit selon les moments du jour ou de la nuit, grâce aux filtres colorés de l’artiste Daniel Buren.
Toutes les louanges ont été faites et je me demande bien ce que je pourrais y ajouter, adjectif qualificatif ou superlatif : alors, ‘c’est purement et simplement beau, époustouflant, prodigieux’.
Rassembler une telle collection relève d’une audace certaine pour l’époque, en particulier en Russie, et du goût sûr d’un homme visionnaire.
Une fois avoir passé le portillon, le contrôle et attrapé un feuillet explicatif, commence la déambulation féerique au travers des 14 salles réparties sur quatre niveaux : Paul Cézanne, Henri Matisse, Claude Monet, Paul Gauguin, Picasso, Pissaro …
Au niveau de la salle 7, échappez-vous sur la terrasse pour reprendre un peu de vos esprits d’avoir vu tant de chefs-d’œuvre. Si vous avez la chance de vous y trouver à la tombée de la nuit, vous découvrirez la magnifique structure en bois de l’oeuvre de l’architecte américain Frank Gehry, la vue magique sur la Défense face à laquelle nous nous sentons comme des lutins au milieu d’une forêt de géants de béton qu’éclairent un millier de lumières scintillantes.
Après cette pause, vous pourrez achever la visite, sans oublier de passer par la librairie dont les ouvrages, photos et produits dérivés prolongent la féerie.
En raison du succès et de l’affluence, l’exposition est prolongée jusqu’au 05 mars prochain.
130 chefs-d’oeuvre vous attendent et, si vous les avez déjà vus, voici une magnifique occasion de les revoir.
MB
Mais avant toute chose, petit retour sur le terme utilisé de ‘trahison’ sur le propos de l’exposition:
« Le verbe « trahir» comporte, en français, au moins deux significations. Il peut s’agir de l’interruption d’une fidélité, à quelque chose ou à quelqu’un. On se contredit, ou simplement on se déplace, on passe de l’autre côté…
Mais il peut en aller aussi de la divulgation, de la révélation d’un secret.
Dans la première hypothèse, on semble mentir, tromper, renier.
Dans la seconde, on livre, au contraire, la vérité et, même on renchérit sur elle, on en donne à voir plus qu’il n’était prévu, davantage qu’on ne souhaitait1 ».
Mes thèmes de prédilection : les ciels, la mer, les rideaux ou les drapés, les ouvertures de portes ou fenêtres, les moulures en faux (davantage que les fausses moulures) ou dites en trompe-l’œil.
Partez à la découverte de ses toiles dans lesquelles la rationalité n’est plus de mise, les objets se heurtent, les mots mis dessus surprennent et notre assurance bascule.
Voyez les ciels parcourus de gros nuages blancs comme collés sur un fond azur, des ciels qui parfois se confondent avec la ligne d’horizon et le paysage, les rideaux qui ponctuent la composition avec un bel aplomb et dévoilent tout un monde laissant libre cours à l’imaginaire, les mers apaisantes ou conservant leur mystère.
Remarquez les éléments de décors, des portes qui s’éventrent, ouvrant sur l’obscurité, un mur de briques gris sur lequel est plaquée une table suspendue, des lambris en trompe-l’œil, des vitres dont le verre est brisé…
Laissez-vous imprégner d’une autre manière de voir, ne nommez plus les objets, abandonnez-vous aux images et à l’illusion qu’elles procurent.
MB
1 (Se) tromper, trahir, Mme Marie-France Renard, www.arllfb.be/ebibliotheque/seancespubliques/20102007/renard.pdf
« Edmé Bouchardon. Une idée du beau »
14 septembre 2016 au 5 décembre 2016
Musée du Louvre
L’exposition Edmé BOUCHARDON (1698 – 1762), sculpteur et dessinateur de renom, est éblouissante.
Comme l’affiche pouvait le laisser présager, je m’attendais à de nombreuses sculptures.
Aussi ce fut une très belle surprise de découvrir la somme importante d’études et de dessins préparatoires de celles-ci, parmi lesquelles j’ai admiré ‘l’Amour se faisant un arc de la massue d’Hercule’, ‘le faune endormi,’ plusieurs modèles en terre cuite, des bustes en plâtre ou marbre et les bas-reliefs.
L’exposition commence par la présentation de deux dessins à la sanguine de mains, vraisemblablement celles de l’artiste.
Ce qui m’a frappée : la finesse du trait, la sobriété de la ligne, la maîtrise des hachures.
Je suis sous le charme de l’artiste, reconnu comme « le plus grand sculpteur et le meilleur dessinateur de son siècle » (Cochin) et qui devint sculpteur du roi.
Près de 270 dessins sont exposés. Tous dégagent beauté et élégance, qu’il s’agisse de la physionomie des visages, des cariatides pour la fontaine de la rue de Grenelle ou de simples modèles.
L’exposition est également complétée par la remarquable collection des dessins sur les petits métiers intitulée ’les cris de Paris’, l’étude approfondie du cheval pour la statue équestre de Louis XV, et celle de son cavalier.
L’artiste n’a eu de cesse de célébrer la beauté, au travers de ses dessins, sculptures et estampes mais aussi de la musique à laquelle il consacrait plusieurs heures quotidiennement à jouer du violoncelle.
Il laisse derrière lui une production d’une richesse inestimable.
MB
